21. sajandi 25 parimat näitlejat (seni)

Filmid

Loe hispaania keeles
  • 376

Kameeleonid või kaunitarid, staaripöörded või karakterrollid — need on esinejad, kes on viimase 20 aasta jooksul suurel ekraanil kõigist teistest üle löönud.

if (!window.Promise || !window.fetch || !window.URL) { document.write('

Oleme näitlemise kuldajastul – tehke sellest plaatina –, nagu mõistsime, kui otsustasime välja valida oma viimase 20 aasta lemmikfilmiesinejad. Parima valimiseks pole valemit (lihtsalt tülitsemine) ja see nimekiri on tingimata subjektiivne ja võib-olla ka skandaalne. Mõned neist esinejatest on areenil uued; teised on olnud aastakümneid. Valikuid tehes oleme keskendunud sellele sajandile ja vaadanud Hollywoodist kaugemale. Ja kuigi seal on kindlasti staare ja isegi paar Oscari võitjat, on ka karakternäitlejaid ja kameeleone, märulikangelasi ja art-house kullakesi. Need on 25 põhjust, miks me ikka veel filme armastame, võib-olla rohkem kui kunagi varem.



25

Gael Garcia Bernal

MANOHLA DARGISKui Alejandro González Iñárritu põnevusfilm Amores Perros ja Alfonso Cuaróni maanteefilm Ja sinu ema ka ilmusid Ameerika kunstimajades aastase vahega, olid löögid seismilised. Nende režissöörid kihutasid peagi rahvusvahelise tuntuse ja samamoodi Gael García Bernal, nende ühine täht. Ta oli andekas, hoidis ekraani ja tema nägu, mida sa pidevalt vaatasid, osaliselt seetõttu, et – tema metsloomasilmade ja laternalõuaga – sulandus see sujuvalt naiseliku ja meheliku ilu ideaalidele.

See kontrast ei olnud eriti ilmne Armastan Koeri (2001), kuid see aitab rikastada soojemat Y Tu Mamá Tambiénit (2002), hingestatud täiskasvanuks saamise lugu, mis algab hõiskamisega ja lõpeb ohkega. García Bernal mängib Juliot, töölisklassi teismelist (iseenda ja teiste) avastusretkel. Koos oma parima sõbraga (keda kehastab Diego Luna) koperdab Julio hoolimatult läbi elu, kuni ta seda ei tee. Kui loo räigus vaibub, hääbub Julio noorukieas machismo, asendudes mõtlikkusega, mille näitleja muudab nii füüsiliseks, et näete tegelast enda sees taandumas.

2004. aastaks oli García Bernal üles astunud Walter Sallesi filmis Mootorratta päevikud kui noor Che Guevara ja mängis Pedro Almodóvari filmis kahepalgelist kameeleoni Halb haridus. Almodóvar pani näitleja kontsadesse mängima noirish femme fatale’i – rolli, mis García Bernalile ilmselt eriti ei meeldinud, kuid mis süvendas tema isiksust huulepulga laiguga ja psühholoogilise külmusega, mis tekitas uusi šokke.

A. O. SCOTTPablo Larraínis Ei (2013) mängib García Bernal oma tavapärase sarmiga Rene Saavedrat, 1980. aastate Tšiili noort reklaamiloojat. Ta on lahe, kuid mitte hirmutavalt; samas mõõdus hea välimusega; naljakas, kuid mitte tüütuseni; enesekindel, aga mitte jõmpsikas. Alguses on lihtne nii Renet kui ka García Bernali alahinnata, pidada nende juhuslikku, vähenõudlikku loomulikkust raskuste või käsitöö puudumisega. Rühm opositsioonilisi erakondi palkab Rene tegema telesaateid, mis toetavad Augusto Pinocheti diktatuuri pikendamise referendumi vastuhäält. Rene ülesanne on müüa tagasilükkamist kui optimistlikku valikut, tunnistada Pinocheti režiimi jõhkrust, keskendudes samal ajal õnnelikule tulevikule ilma temata. Ehkki Rene usub sellesse, peab ta seda ka turunduslikuks väljakutseks ning klientide, kolleegide ja rivaalidega tülitsemises on veidi hullumeelset hõngu.

García Bernali ülesanne on luua dramaatiline seos meediaäri banaalsuste ja poliitiliste repressioonide terrori vahel ning ta teeb seda peaaegu täielikult oma silmadega. Ühel ööl vandaalitsetakse korteris, mida ta oma väikese pojaga jagab, kui nad magavad, ja sel hetkel vedeleb Rene hakkuri otsus puhtaks hirmuks. Järgmisel päeval on ta tagasi tööl ning nii temal kui ka publikul on uus ja sügav arusaam teose tähendusest.

Rentida või osta Suurematel voogedastusplatvormidel ei.

24

Sonia Braga

MANOHLA DARGISVaatasin just hiljuti uuesti filmi Aquarius (2016) meie oodi jaoks Sônia Bragale. Neile, kes pole seda näinud: Braga mängib Clarat, kirjanikku, kelle korter on Atlandi ookeani poole. Suurem osa loost jälgib seda, kuidas Clara elab oma elu, samal ajal kui ta majaomanikult minema lööb. Braga sobib suurepäraselt režissöör Kleber Mendonça Filho imelisse ja sihikindlasse realismi. Seekord aga filmi vaadates – osaliselt ajendatud, ahh, peatüki pealkiri nimega Clara’s Hair – märkasin, kuidas Braga järjest oma rikkalikku juuksekardinat ümber korraldas. Ja kui ta seda üles pühkis ja alla lasi, mõistsin, et Mendonça ei esitanud mitte ainult tegelast, vaid ka teda mängivat legendi.

A. O. SCOTTSee on meeldetuletus – ühtaegu alateadlik ja jultunud –, et Braga oli 1970ndatel ja 80ndatel Brasiilias ja kaugemalgi suur asi, tema rahva vastus Sophia Lorenile. Tema filmid Mendonçaga (Bacurau ka sel aastal Veevalaja) tuginevad sellele ajaloole ja kasutavad ära tema vana kooli karismat. Kuid need ei ole ainult hilise karjääri tähepöörded. Clara ei ole Sonia Braga: ta on väga spetsiifiline naine, kellel on oma saavutuste, armusuhete ja kahetsuste ajalugu. Kuid ainult esineja, kellel on Braga täielik enesekindlus ja tema kangelaslik ükskõiksus selle suhtes, mida teised temast arvavad, suudab Clara ellu äratada.

DARGISKuid seekord oli minu jaoks Veevalaja puhul põnev see, et Clara on seda samuti Braga selles mõttes, et tegelase tähendust kujundab osaliselt kõik, mida Braga ekraanile jõudes toob, sealhulgas tema ajalugu Brasiilia kinos segase päritoluga naisena ja seiklused Hollywoodis. Bragat vaadates on midagi fantastiliselt vabastavat seda majesteetlikku naist, kellel on nähtavad kortsud ja kellel pole pärast mastektoomiat kunagi rindu rekonstrueeritud. See kehtib eriti selle kohta, kuidas Bragat kunagi seksistaarina orjastati. Teda polegi muud nimetada, kirjutas kunagi üks meeskriitik — noh, näitlejannaks võiks teda nimetada.

SCOTTTema oskused avalduvad hoopis teisel viisil Bacurau sel aastal pööraselt fantastiline (ja vägivaldne) ulmeline allegooria kriisis olevast Brasiiliast, mis kaldub kõrvale Mendonça teiste filmide realistlikkusest, hülgamata nende poliitilist kirge või humanismi. Braga, osa laialivalguvast ansamblist, kuhu kuuluvad ka mitteprofessionaalsed näitlejad, on selle jaoks hädavajalik. Ta mängib Domingast, alkoholiprobleemidega väikelinna arsti ja kohati abrasiivset isiksust – deglamoriseeritud, koomilist rolli, millega poleks keegi teine ​​sellise sügavuse ja graatsilisusega hakkama saanud. Või nagu Mendonça ütles: sümfoonias oleks ta klaver.

Voogesitage Bacurau saidil Kriteeriumi kanal ja Veevalaja edasi Netflix .

Reklaam

23

Mahershala Ali

A. O. SCOTTMahershala Alil on üks moodsate filmide suurepäraseid nägusid – need vormitud põsesarnad, see kõrge, mõtlik kulm, need melanhoolia varjundiga silmad. Tema kohalolek kaamera ees on magnetiline, kuid samas ka valvas ja kaval. Tema tegelased kalduvad tagasihoidlikkusele, valvsusele, kuid nende tagavaraks on omaette sõnaosavus, nende sosin on kõlavam kui ükski hüüe.

Ali on võitnud kaks parima meeskõrvalosa Oscarit. Esimene oli Moonlighti (2016) jaoks, milles ta lammutas vaikselt püsiva Hollywoodi stereotüübi. Juan on narkodiiler, kogukonna hävitamise ja kaudse vägivalla tegelane. Teda iseloomustab aga tema leebus, tingimusteta lahkus, mida ta avaldab Chironile, noorele peategelasele. Juan kuulab poissi; ta vastab tema küsimustele; ühes filmi kõige liigutavamas stseenis õpetab ta teda ujuma.

Ja siis esimese ja teise vaatuse vahel ta kaob. Kuid Ali kummitab filmis ka pärast tema lahkumist. Ta on nii selle traagiline, toitev kuvand mehelikkusest kui ka esimene mees, kes on Chironi armastust väärt.

MANOHLA DARGISAli pälvis minu tähelepanu esmakordselt Netflixi sarjas House of Cards. Ta mängis Remy Dantonit, Washingtoni advokaati, kelle väike naeratus võis virvendada hoiatusena, andes märku ohust tema maailmas. Remy osales teises episoodis stseenis restoranis, kus peategelane Frank Underwood (Kevin Spacey) sööb koos kahe teise võimuvahendajaga. Remy ei seisa istuvate meeste kohal, ta loobib. Teate, et Underwood on halb uudis, aga kui režissöör David Fincher lõikab Remyle näkku, muudab Ali järsult temperatuuri, langetades nahka kipitava hoiatuse pärast oma sõbraliku fassaadi, tehes selgeks, et ta ei räägi mehega, vaid kiskjaga. .

Olin nii harjunud nägema Ali eritellimusel valmistatud ülikonnas (ja mõnikord ka väljas), et ei tundnud teda Kuuvalguses alguses ära. Asi ei olnud lihtsalt erinevates riidekappides, vaid selles, kuidas Ali igale mehele andis, kehade variatsioonides, jah, aga ka selles, kuidas need kehad liiguvad ja tähistavad. House of Cardsis Remy voolab ja oli hetki, mil mõtlesin, et vaatan järgmist James Bondi. Moonlightis loob Ali titaanliku tegelase, kelle jõud isegi pärast filmist kadumist jätkab resoneerimist. Näitleja loob väga erineva tegelase Roheline raamat (2018, tema teine ​​Oscari võitja), seekord muusiku Don Shirley rollis, keda Ali kehastab mehe ja kaitstud kindlusena, ületab filmi.

SCOTTMa peaaegu ütleksin, et esitus on filmi vastand. Ali on graatsiline, vaimukas ja eneseteadlik, samas kui Green Book on kohmakas, naljakas ja pime omaenda tundetuse suhtes. Ma pole kindel, et ükski teine ​​näitleja oleks kurikuulsa praekana stseeni nii kelmikalt väärikalt käsitlenud. See, et Roheline raamat ja Kuuvalgus olid mõlemad parimate piltide võitjad, kõneleb meie kultuurihetke vastuoludest, kuid Ali andekusest annab tunnistust see, et tema peen oskus ja kõigutamatu karisma suudavad ankurdada kahte nii erinevat filmi.

Voogesitage Moonlight sisse Netflix .

22

Melissa McCarthy

MANOHLA DARGISKui kriitikud anatomiseerivad koomiksiesinejaid, nagu Melissa McCarthy, puudutame sageli tuttavaid omadusi, nagu ajastus, graatsia ja elastne füsiognoomia. Kuid me räägime ka näitlemisest. Pärast televisioonilt filmidele üleminekut on McCarthy korduvalt demonstreerinud oma ulatust ja aidanud meelierutavalt lammutada regressiivseid ideid selle kohta, kellest saab filmistaar. Ükski film pole teda paremini teeninud kui Spy (2015), milles ta kehastab Susanit, kartlikku C.I.A. analüütik, kes on saadetud veidrale missioonile, mis võimaldab McCarthyl hakkida ja seejärel veetlevalt möllata.

Spy õõnestava lõbu jaoks on oluline see, kuidas ta kasutab žanrikonventsioone McCarthy annete esitlemiseks, puhudes samal ajal stereotüüpe. Susan sisaldab paljusid, esmalt enesekaitsena (ta summutab oma tuld) ja hiljem oma inimlikkuse väljendusena. Põllul võtab ta õnnetult kasutusele mitu totrat, traagiliselt räsitud maskeeringut – variatsioone sellest, kuidas teised teda näevad –, enne kui muutub tema enda disainitud seksikaks, prügist kõnelevaks fantaasiaks. Kui Susan oma juukseid ja takistusi maha laseb, lõikab McCarthy end lahti. Tema hääl kõlab, tema lehvivad käed löövad rusikasse, tema Kewpie-nukunägu läheb Medusale. McCarthy ei mängi ühte naist – ta on me kõik, kättemaksuga.

A. O. SCOTTLee Israel on naljakas. Ta jagab kiiret ja raevukalt agressiivset verbaalset vaimukust mõne muu McCarthy loominguga, nagu Tammy filmis Tammy (2014) ja Mullins filmis Kuumus (2013). Kuid Lee oli tõeline inimene ja kas saate mulle kunagi andestada? (2018) pole just komöödia. See pole ka päris eluloofilm, vaid väga spetsiifiline lõik 20. sajandi lõpu New Yorgi veidrusest ja kirjanduselust, mis on keerutatud läbi sobimatu sõbrapildi ja väänatud kapparifilmiks.

Lee'le ei ole lihtne meeldida ega juurduda. Ta on abrasiivne, enesessetõmbunud ja ennast saboteeriv. Ta võõrandab sõpru ja hoiab eetikast sama nõrka haaret kui kainust. McCarthy ei soovi muuta oma lugu – mis hõlmab vankuma jäänud kirjanikukarjääri vahetamist tulusa ametikoha vastu kuulsate kirjanike kirjade võltsijana – tähendamissõnaks paranemisest või lunastusest.

See räägib sellest, kuidas Lee ja tema kaaslane (imeline Richard E. Grant) mängivad ellujäämise nimel, mässades saatuse vastu, mille ükskõikne maailm on neile ette valmistanud. Filmi pealkiri esitab ausa küsimuse. Võib-olla ei saa te Lee'le andestada tema eksimusi ja valesid ning seda, et ta ei arvesta teiste inimeste sõnade ja tunnetega. Kuid te ei saa teda kuidagi unustada.

Rentida või osta Spioon ja Kas saate mulle kunagi andestada? enamikul suurematel platvormidel.

kakskümmend üks

Catherine Deneuve

Pikaajalise karjääri jooksul, kes on töötanud autoritega, kes on kes, on Deneuve seisnud teatud tüüpi elegantse prantslanna eest, olgu ta siis tavalist naist, õnnetu bistrooomanikku või isegi iraanlasest ema. Selle viimase rolli eest animafilmis Persepolis (2007). Deneuve andis häält Marjane Satrapi emal põhinevale tegelaskujule. Palusime koos Vincent Paronnaud’ga filmi lavastanud Satrapil selgitada, miks ta Deneuve’i otsis.


daamid vs ricky bahl

Kui elate Prantsusmaal, on sümboliks Catherine Deneuve. Kui ma suureks kasvasin, oli tema unistus. Ta tegi alati valikuid, mis olid tema aja kohta liiga arenenud, pigem anarhistlikud kui kodanlikud. Ta on alati näinud välja nagu väga kodanlik pariislanna, mis pole absoluutselt tõsi. Ta on mässaja, kes näeb välja nagu grande dame.

Esimene kord, kui ma Catherine Deneuve’iga kohtusin, oli nagu isiklikult Jumalaga kohtumine. Ma olin nii muljet avaldanud. Ja siiski, ma pidin teda juhatama ja ma ei julgenud talle midagi öelda. Esimesed kaks tundi olin täiesti halvatud ja ta rahustas mind maha. Ta ütles mulle, kuna ta on väga helde naine: sina oled režissöör ja mina sinu näitleja. Ütle mulle, mida teha ja ma teen seda. Ta ei teinud seda teiste inimeste ees. Ta ütles: 'Lähme jooma sigaretti' ja ütles seda mulle eraviisiliselt.

Ema iseloomu jaoks oli mul vaja kedagi, kes pole see igavene ema, kes on väga armas, sest see pole minu ema. Mu ema on väga armas inimene, kuid ta on nagu: sa tee seda. Sa tee seda. Mul oli vaja kedagi, kellel oleks naise jõud, kes soovib, et tema tütar [teaks oma elu paremaks] ja oleks emantsipeeritum. Catherine Deneuve'il on selline kõneviis, mis ei ole mänguline, sest ta ei püüa olla meeldiv. Ta on väga avameelne. Kui ta sinuga räägib, vaatab ta sulle otse silma.

Ta ei püüa olla meeldiv. Ta on väga avameelne.

On selline stseen, kui ma tulen koju ja mu ema hakkab mulle karjuma: Tead, mida nad Iraanis noorte tüdrukutega teevad? Sa pead siit riigist minema. Mäletan, et kui ta seda mängis, oli ta veidi eemal. Ta püüdis end tagasi hoida, nagu ta tavaliselt teeb. Ma mõtlesin, et ei, Catherine, sa oled tõesti endast väljas. Ta tegi seda ja tegelikult nuttis. See oli äärmiselt liigutav.

Ja ikkagi, pärast kõiki neid aastaid, iga kord, kui ma teda näen, lööb mul süda. Ta on nagu lõvi. Ta ei ole valjuhäälne, ta ei tee žeste. Kuid isegi kui ta on teie taga ja te ei näe teda, tunnete, et toas on kass. See tundub samal ajal väga põnev ja väga ohtlik. Ta on metsik ja kartmatu ning mulle meeldib see tema juures.- Kathryn Shattucki intervjuu

Rentida või osta Persepolis enamikul suurematel platvormidel.

kakskümmend

Rob Morgan

A. O. SCOTTSuurepärased karakternäitlejad on paradoksi meistrid, ühtaegu kustumatud ja nähtamatud. Te ei pruugi neid ühest rollist teise ära tunda, kuid nad jätavad igale filmile oma pitseri, täiustades tervikut isegi väikestes osades.

Kui nägite Mudboundi, Monsters and Men, The Last Black Man in San Francisco ja Just Mercy – nelja aastatel 2017–2019 ilmunud filmi –, olete Rob Morganist teadlik, olenemata sellest, kas teate tema nime või mitte.

Surmamõistetute vangina filmis Just Mercy on ta silmapaistvalt ebadramaatiline, vaikne mees, keda kummitavad kahetsus, abitus ja hirm, kelle raske olukord hõlmab filmi humanistlikke argumente.

Kõigis teistes filmides mängib ta isa, Jim Crow lõunaosas ja tänapäevases põhjalinnas – meest, kes teab rohkem, kui otsustab öelda. Nendes filmides räägivad enamasti pojad, kuid Morgan väljendab kõnekalt kogemusi, mis jäävad põhiloost väljapoole, isegi kui nad seda laiemasse ajaloosse panevad. Filmis Last Black Man esineb ta käputäies stseenides ja lausub vaid paar rida, kuid kõik, millest film räägib – elu naudingud ja pettumused omapärase, kiiresti muutuva linna äärealadel – on talle näkku kirjutatud. Ta kuulab, närib päevalilleseemneid, mängib vanal toruorelil paar akordi ja mõne minuti pärast tema juuresolekul saad täpselt aru, mida sa teadma pead.

MANOHLA DARGISAeg-ajalt annab väike film näitlejale võimaluse minna suuremaks ja hoida keskpunkti, mida teeb Morgan Annie Silversteini filmis. Bull (2020). Ta mängib Abet, endist rodeopulli ratturit, kellel on kanged liigesed, veri uriinis ja hapralt koos hoitud elu. Tema härjaratsutamise päevad on möödas, nüüd töötab ta maa peal härjavõitlejana, aidates kaitsta langenud rattureid. Abe roll ei ole armulikult üle kirjutatud, mis võimaldab Morganil määratleda tegelast veenvalt kehastatud esitusega, kelle pea viltu, külili vaatab ja endassetõmbunud kohalolek väljendab rusuvat minevikku ja emotsionaalses mehe enesekaitseinstinkte. taganema.

Bull peaks rääkima ainult Abest, kuid see keskendub hoopis tema suhetele valgenahalise juurteta 14-aastase naabrimehe Krisiga (Amber Havard). Nende saatused ristuvad kibedalt pärast seda, kui naine on tabatud tema maja prügisse jätmast, ja seda on kujundanud väljateenimata optimism, mis on Ameerika kino aluseks. Teisisõnu, Abe ja Kris päästavad üksteist. Filmi päästab aga aken, mille Morgan avaneb mustale kauboile ja kuidas lavastus muudab Ameerika lemmikmüüte keerulisemaks, sealhulgas karmi, stoilise üksildase kuju. Abe ei sõida sisse John Wayne'i territooriumilt; Abe sõidab sisse täiesti erinevalt maalt, mille Morgan muudab vistseraalseks, kummitavaks ja täiesti elavaks.

Voogesitage Bull Hulu .

19

Wes Studi

Wes Studil on üks ekraani kõige vahistavamaid nägusid – väljaulatuv ja kortsus ning ankurdatud läbistavate silmadega, mis nõuavad, et sa sobiksid nende pilguga. Väiksematele režissööridele meeldib kasutada tema nägu põlisameeriklaste kogemuse nüri sümbolina, õilsuse, kannatuse ja valu maskina, mis on tundmatu ainult seetõttu, et keegi pole seda kandvalt mehelt küsinud. Õiges filmis ei mängi Studi aga ainult tegelase fassaadiga; ta koorib selle kihid. Ekspressiivse läbipaistmatuse meister näitab teile maski ja selle all peituvat, nii mõtlemist kui ka tundeid.

Ta näitab teile maski ja seda, mis selle all on.

Studi jõudis kinematograafilisse teadvusse kättemaksuhimulise huroni sõdalasena Michael Manni eeposes 'The Last of the Mohicans' (1992), tegelaskuju, mida näitleja edastab võimsa kehalisuse ning põlguse, kannatamatuse, solvumise ja raevu intensiivsusega. Vähesega palju tegemine on olnud Studi filmikarjääris püsiv, mis hõlmab ka rollide tähistamist Uus Maailm (2005) ja Avatar (2009). Nagu paljud näitlejad, on ka tema teinud omajagu unustamatut tööd, teinud ekspluatatsioonifilme ja telesööta. Sageli konkreetselt põlisameeriklasena mänginud ta on mänginud Geronimot ja Cochise'i; ta võiks parandada rohkem filmivigu, kui vesternid oleksid endiselt populaarsed. Ja kui tööstus oleks seiklushimuline, võiks ta mängida ka rohkem tüüpe nagu kodutute varjupaiga juhendaja. Olles Flynn (2012), mees, kes ei kanna seda, mida Studi nimetab nahkadeks ja sulgedeks.

Õpetlikult ei kanna ta Scott Cooperis kumbagi Vaenulik (2017), elust ja surmast 19. sajandi lõpu Ameerikas. Studi mängib Chief Yellow Hawki, surevat Cheyenne'i vangi, kelle föderaalvalitsus on nõustunud naasma tema esivanemate maadele. Film on suuresti huvitatud tema saatjast, sõjast hävitatud India vihkajast, keda kehastab staar Christian Bale. Taas teeb Studi toetava pöörde, mis täiendab juhtivat esitust – tema tegelaskuju ükskõiksus saatja raevu suhtes on müür, mida ei saa läbi murda – ja aitab loo tasakaalu võrdsustada. Yellow Hawk on elanud piisavalt kaua, et oma tingimustel surra, nii et Studi teeb viimase enesevaldamise teo.

Voogesitage vaenulikud sõnumid Netflix .

18

Willem Dafoe

Näitleja on olnud eluliselt tähtis nii erinevates filmides kui Vampiiri vari (2000) ja The Florida Project (2017), mille eest ta sai Oscari nominatsioonid. Ta nimetati ka van Goghi mängimise eest Julian Schnabeli eluloofilmis. Igaviku väravas (2018). Küsisime Schnabelilt, miks ta Dafoe poole pöördus.

Willem ja mina kohtusime rohkem kui 30 aastat tagasi. Ta on alati naabruses elanud ja meil oli palju ühiseid sõpru. Oliver Stone filmis New Yorgis The Doorsi ja me seisime ühel õhtul võtteplatsil ja see oli esimene kord, kui me päriselt rääkima hakkasime.

Üks ülitähtis asi on see, et ta on väga helde näitleja. Ta hoolib teiste inimeste esinemistest ja nende abistamisest, olles kättesaadav kõiges, mida ta teeb. Ta on väga-väga lojaalne ja väga-väga tark. Kui teil on keegi tark, saab ta seda paremaks muuta.

Ta on väga helde näitleja. Ta hoolib teiste inimeste esinemisest.

[For At Eternity’s Gate] Vajasin kedagi, kellel oleks van Goghi kehastamiseks sügav karakter. Ja see ei tähendanud ainult tema moodi väljanägemist. See oli keegi, kellel võis olla piisavalt elukogemust, et olla see mees. Inimesed arvasid, et noh, Willem on 60-aastane, van Gogh oli 37-aastane, kui ta suri. See oli minu jaoks ebaoluline. Peate lihtsalt aimama kedagi usaldada ja mõtlema, et nad saavad midagi teha. Ma usaldan Willemi kaudselt. Ja see usalduse tase on mõlemas suunas.

Pärast tema saabumist tulistasime Arles'is asju, mida me ei saanud kasutada. Ta kandis samu riideid, tal oli sama soeng, kuid ta polnud veel mees. Siis oli teatud hetk, mil ta ühtäkki oli. Ta muutus, muudeti. Ta oli keegi teine.

Üks minu lemmikstseene on see, kus ta räägib noore dr Reyga, kes näeb teda pärast seda, kui ta on kõrva ära lõikanud ja garanteerib talle, et ta saab asutuses viibides maalima hakata. See suhtlus on erakordne, mida Willem seal teeb. Põhimõtteliselt istub ta laua taga ja seal pole palju liikumisruumi. Kuid see, mis tema näos toimub vastusena sellele, mida noor arst talle ütleb – ja ka vastuseks muudele mõtetele, mis tunduvad sel ajal tema peas liikuvat – on sündmuste maastik ja siseelu nagu vaht. tulles vanilje munakreemi peale.- Kathryn Shattucki intervjuu

Rentida või osta Eternity's Gate'is enamikul suurematel platvormidel.

Reklaam

17

Alfred Woodard

Õiglases maailmas oleks selle sissekande täitmiseks suur hulk suurepäraseid etteasteid – matriarhide, romantiliste kangelannade, diivade ja kurikaelte kogu, mis kajastaks Alfre Woodardi kingituste kogu valikut. Selliseid rolle napib mustanahalistel naistel alati, kuid isegi väikestes osades väiksemates filmides või teleseriaalides on Woodard unustamatu kohalolek, ühtaegu kuninglik ja täiesti tõeline.

Kaks filmi, mis on talle kõige rohkem ruumi andnud – Steve McQueeni oma 12 aastat orjana (2013) ja Chinonye Chukwu Clemency (2019) – mõlemad asetavad õigluse küsimuse esiplaanile. Igas neist peab Woodard kinnitama oma tegelaskuju väärikust ja eetilist ausust võimatult julmade asjaolude ees. Bernadine Williams, Clemency'i vanglaülem, kelle tööülesannete hulka kuulub ka hukkamiste jälgimine, leiab, et tema professionaalsus on üha enam vastuolus tema inimlikkusega. 12 aasta jooksul on armuke Shaw, orjastatud naine, kelle suhe istanduse omanikuga on toonud talle teatud privileege, leppinud kokku süsteemiga, mis on üles ehitatud tema dehumaniseerimisele.

Woodardi kunst, tema pühendumus tõele on see, mida näete.

Vastuolud, millega Bernadine ja armuke Shaw võitlevad, on suuremad kui ükski inimene. Woodard teeb nad isiklikuks. Enesekontroll on ellujäämise küsimus ja Woodard loob oma näo korraliku kujundusega, kehastades olukorraga nõutavat lahke lõunamaa daami või tõhusat bürokraadi. Ta ei lase maskidel niivõrd käest libiseda – välja arvatud võib-olla Clemency’i laastavates viimastes stseenides –, kuivõrd näitab nende kandmisega kaasnevaid kulusid ja hoolt. Tegelased esinevad ka, etendades oma rolle surelike panuste nimel, ja Woodardi kunst, tema pühendumus tõele, on see, mida näete ruumis nende välimuse ja selle vahel, kes nad on.

Voogesitage mõlemat Halastus ja 12 aastat orjana Hulus.

16

Kim Min-hee

Hong Sang-soo filmis Just Now, Wrong Then (2016) kohtuvad naine ja mees. Nad joovad ja joovad veel ning lähevad lahku, et kohtuda filmi teises pooles justkui esimest korda – seade, mis meenutab Groundhog Day’i. Taas käiakse kohvikus, stuudios, restoranis. Kuid kuigi nende teod jäävad üldiselt samaks, nagu ka õhtu üldine kaar, on piisavalt muutunud – kuidas nad üksteisele otsa vaatavad, käänded nende hääles –, et muuta see teine ​​kohtumine millekski teistsuguseks.

Kim Min-hee peenelt nüansirikas esitus on filmi keskmes ja näitlejanna ise on sellest ajast peale olnud Hongi loomingu keskmes, esinedes enamikus tema järgnevates filmides. Väljakujunenud kunstimaja autor Hong räägib tagasihoidlikult kujundatud lugusid, mis on vormiliselt mängulised, tundlikud inimliku ebatäiuslikkuse suhtes ja sojust läbi imbunud. Juhtub tuttavaid asju, vahel harjumatuid. Kordamine on sageli narratiivne fookus, mis põhineb elul ja mida teenib kaunilt Kimi selge väljendusvõime.

Hongi minimalistlikus kaanonis on elu tihendatud igapäevastes hetkedes, vestlustes ja kehade üksteise poole kaldumises. Filmi „Õigus kohe, vale siis“ kahe poole erinevused paljastavad tegelaste uusi tahke ja tekitavad nende vahel uusi pingeid. Samuti annavad need Kimi valikule vabad käed, võimaldades tal mängida intonatsiooni, žestide ja värelevate pilkudega. Kuigi filmi kaks osa tunduvad ühe ja sama loo variatsioonina, tundub tema esitus pigem ühinevat, sest – naeratus naeratuse haaval, kõrvale kaldunud ja fikseeritud pilgud – koondab Kim tegelase tervikuks.

Ta läheb suurteks ja väikesteks, muutub koletutest hiirevigaseks.

Ta õppis Park Chan-wookis barokki Käsilane (2016), tema tuntuim film. Selles kummalises, sageli perversselt naljakas draamas, mille tegevus toimub 1930. aastatel Koreas, kehastab ta Jaapani aadlikku, kes on päästetud oma hälbiva onu käest tema kavaluste ja teise naise poolt. Loo toretsev liialdus ja narratiivi pöörded võimaldavad Kimil kasutada kõiki oma töökastis olevaid tööriistu. Ta läheb suurteks ja väikesteks, muutub koletutest hiirteks ning vaheldumisi varjab oma tegelase tundeid ja laseb neil joosta. Tema keha kõigub ja nägu moondub, kui hirm ja valu annavad teed ekstaasile ja vabanemisele. Tegelane on mõistatus, mida film kiusab, kuid mille Kim meeletult lahti teeb.

Voogesitage The Handmaid edasi Amazon Prime'i video .

viisteist

Michael B. Jordan

Michael B. Jordan on mänginud advokaate, sportlasi ja superkangelasi, kuid juba enne, kui tema ulatus selgeks sai, tahtis režissöör Ryan Coogler temaga koostööd teha. Coogler on teinud kolm filmi (Fruitvale Station, Creed ja Black Panther) ning Jordani staarid või kaasnäitlejad neis kõigis. Palusime lavastajal selgitada, mis on näitleja juures see, mis meid endasse tõmbab.

Kohtusin Mike'iga 2012. aastal, kui tegin uurimistööd ja töötasin stsenaariumi kallal Fruitvale. Tema oli see, kes ma otsustasin selle rolli jaoks kõige paremini sobida enne temaga kohtumist, tuginedes muule tööle, mida olin teda tegemas näinud – paar filmi sel aastal, Red Tails ja Chronicle ning hunnik asju teleruumis. . Aga ma arvasin, et ta võiks Oscarit mängida. Ta nägi välja nagu tema, aga ka see, mida ma nägin, oli see võime panna sind endasse kaasa tundma. Kõigil näitlejatel ei ole seda asja, kui sa kohe kellestki hoolid ja see vallandab empaatiavõimelise reaktsiooni. Tal oli see. Samuti on tal näitlejana väga arenenud tööriistakomplekt.

Mida ma nägin, oli see võime panna sind temaga kaasa tundma.

Ta on osalenud kõigis mängufilmides, mida olen teinud. Ja ma valin teda jätkuvalt, sest ta on selle töö jaoks parim inimene. Creedil [2015] oli veel üks tegelane, kes minu arvates võiks hästi mängida. Enne kui Mike näitlejaks sai, oli ta põhikoolis ja keskkoolis sportlane. Ta oli mänginud televisioonis sportlasi, millest kõige kuulsam oli Friday Night Lights, nii et mõned asjad, mida me teadsime, et tema tegelaskuju peaks Creedis tegema, tundis Mike, et see on õige. See oli osa temast, mis ei olnud suur haare.

Ja [sisse] Must Panter [2018], kui tema ja Chadwick olid vastamisi ja käisid varvaste vastas, tundus see sündmusena. Nende tähed tõusid. Filmi filmimise ajal olid nad mõlemad juhtivad mehed.

Nüüd on põnev selles, et me selles valdkonnas vananeme, et hakkame erinevatel ametikohtadel koostööd tegema. Ta teeb praegu palju asju kaamera taga. Ja meil on mõned võimalused koostööks peale näitleja ja lavastaja.

Ta on väga ambitsioonikas viisil, mis on armastav. Ta tahab end alati edasi lükata ja proovile panna. Ja see avaldub tema esinemistes, aga ka ärilises mõttes. See ambitsioon hoiab teda avatud meelega. Ta jälgib kõike ega taha end teatud žanritest või võimalustest ära lõigata. Nii et ma arvan, et taevas on tema ja tema karjääri piir.— Mekado Murphy intervjuu

Voogesitage Black Panther sisse Disney + .

14

Oscar Isaac

A. O. SCOTTKuigi ma võin võtta või jätta hiljutised Tähesõdade filmid, tunnen ma kiindumust mõne tegelase vastu, eriti Poe Dameroni, vastupanuliikumise vastu, kes on kolmanda triloogia võlur. Poe rollis on Oscar Isaac nendes filmides ahvatlev ja lihtne kohalolek, mees, kes näib teadvat, mida teeb.


uus film Jennifer Hudsoniga

Tema tegelaskujud ei ole alati nii õnnelikud või endas nii kindlad, kuid mees ise tegutseb kellegi täpsusega, kes on oma oskustes piisavalt kindel, et end riskantsele uuele territooriumile suruda. Eelmine suvi Llewyn Davise sees (2013) ilmus, Joel ja Ethan Coen rääkisid meile, et algselt tahtsid nad nimiosasse panna tuntud muusiku. Selle asemel leidsid nad Isaaci, kes ütles neile (Joeli sõnul), et enamik näitlejaid, kui te küsite neilt, kas nad mängivad kitarri, ütlevad nad, et mängisid kitarri 20 aastat, kuid tegelikult mõtlevad nad seda, et neil on kitarr. 20 aastaks. Isaac võiks tegelikult mängida. Kui ma mõtlen sellele, mis teeb ta näitlejana nii usaldusväärseks, tuleb see esimese asjana meelde. Mitte sellepärast, et kitarri mängimine oleks nii suur asi, vaid sellepärast, et mida iganes Isaac ekraanil teeskleb – kütteõli müümine (alahinnatud vägivaldseim aasta (2014); seksikate robotite leiutamine (Ex Machina); X-tiivaga lendamine võitlejad — ma usun alati, et ta tõesti teab, kuidas seda teha, ja et ma vaatan mingisugust autentset meisterlikkust tegevuses.

MANOHLA DARGISKui näitlejad jätavad sügava esmamulje, on nad mõnikord seotud teie ideedega selle kohta, mida nad saavad teha. Pärast Llewyn Davist seostasin Isaacit hingestatud lüüasaamisega, tõrksa pahameele allhoovusega. Mõned teised rollid toetasid seda ettekujutust tema kaasasündinud leinast, sealhulgas tema osatäitmine ümberpiiratud linnapeana HBO sarjas Show Me a Hero (2015). See on osaliselt seotud tema kurva romantilise välimusega ja sellega, kuidas tema kulmud raamivad tema luksuslikult ripsmetega silmi. Ja siis on tema hääl, selle ilus kõla, aga ka see, kuidas selle resonants loob intiimsust. Isegi kui ta sellesse nina paneb, säilib tema hääl läheduse omadus, üks põhjus, miks see sageli tundub, kõlab, nagu laulaks Llewyn rohkem endale kui publikule. Isaaci hääl pehmendab ka tema ilu, tõmmates sind endasse. Mõnikord kasutab ta seda intiimsust, nagu näiteks filmis Ex Machina, millegi vihjava, kurjakuulutava jaoks.

Isaacil on filmis Ex Machina (2015) toetav roll, kuid ta on selle meeleolu ja jõu jaoks ülioluline. Ta kehastab Nathanit, dr Frankensteini-sarnast tehisintellektiga seotud tehnilist miljardäri, kes ehitab (ja hävitab) kauneid naisandroide. Tänapäeva digitaalse universumi meistrite jaoks metsikult kriitiline koht, Nathan oleks võinud filmis kergesti domineerida. Isaac hoiab hoopis oma võlu vaos, lastes tegelase jubedal õhku mürgitada. Nathani elavhõbedane tuju ja üllatav välimus – raseeritud pea ja täishabe, prillid ja lõigatud lihased – raskendavad talle helme külge panemist. Aga kui ta järsku maha hüppab, sooritades hämmastavat tantsu, paljastab Isaac tema koreograafiliste liigutuste geomeetrilise täpsuse ja hullumeelsuse kaudu kõik, mida Nathanist vaja on. See on 30 sekundit puhast geniaalsust.

Rentida või osta Endine Machina suurematel voogesitusplatvormidel.

13

Tilda Swinton

MANOHLA DARGISTuhande teispoolsuse näoga naine Tilda Swinton on loonud piisavalt palju isikuid – ütlemata parukate, kostüümide ja aktsentidega –, et temast oleks saanud üks neist. Ta on staar, karakternäitleja, etenduskunstnik, maaväline, trikster. Tema kahvatu, teravalt hööveldatud nägu on ideaalne lõuend värvimiseks ja proteesimiseks ning suudab rahustada vaikust. Tahad teda lugeda, aga ei saa. See aitab temast teha suurepärase kaabaka, mängib ta siis deemonit, kuningannat või ettevõtte juristi. Filmis Julia (2009) kukub ta selle seina maha, et mängida kontrolli alt väljas olevat alkohoolikut ja lapseröövlit, andes täistuuridel esituse, mis on nii vistseraalne ja läbipaistev, et näete tegelase mõtteid raevukalt tööl, nagu väikesed parasiidid. liigub naha alla.

A. O. SCOTTMeile meeldib näitlejaid vahemiku eest kiita, kuid see on peaaegu naeruväärselt ebapiisav sõna radikaalse kuju muutmise kohta, mida Swinton saavutab. Vaadake vaid ühte tema karjääri suunda: tema tööd Luca Guadagninoga, filmitegijaga, kes jagab oma rõõmu eneseleiutamise üle. sisse Ma olen armastus (2010) kehastas ta itaalia aristokraatiku venelannat, andes etenduse kahes keeles ja puhta melodramaatilise südamevalu võtmes. sisse Suurem Splash (2016) tal polnud peaaegu üldse keelt: ta otsustas, et oleks huvitav, kui tema glam-rock-diiva tegelaskuju oleks kurguoperatsiooniga vaigistatud. Filmis Suspiria (2018) viis ta läbi ühe oma paljudest kahekordistamisest, esinedes balletomaani nõidade koverni liikmena ja ka eaka meessoost holokausti üleelajana.

DARGISSee kahekordistumine kujundab tema kõige androgüünsemaid esinemisi, kus ta hägustab pingutuseta sugu, kinnitades (jällegi) selliste kategooriate nagu mees ja naine ebapiisavust. Ta on mõlemad; ta pole kumbki. 2016. aasta filmis 'Tere, Caesar' juhtub kaksikuid mängides teistsugune kahekordistumine! (konkureerivate kõmukolumnistidena) ja järgmisel aastal Okjas (visuaalselt eristuvate väga julmade tööstuse kaptenitena). Igas neist näitab Swinton meile ühe ja sama inimese kahte külge, nagu ta teeb Michael Claytonis (2007), kui tema advokaat harjutab peegli ees kahepalgelist mängu. Kui advokaat räägib, peatab ja naeratab, näete, kuidas ta üritab meeleheitlikult kontrollida peegeldust, mis juba mõraneb.

SCOTTNeed rollid võivad olla teatraalsed, kuid need ei tundu peaaegu kunagi trikkidena. Swintoni juured on avangardi traditsioonis – varem töötas ta oma karjääri jooksul koos Derek Jarmani ja Sally Potteriga –, mis rõhutab identiteedi muutlikkust ning häguseid piire kunstliku ja autentsuse vahel. Viimase 20 aasta jooksul on ta toonud Hollywoodi ja mujale selle töö intellektuaalset rangust ja kontseptuaalset julgust. Ta pole mitte ainult erakordselt põnev esineja, vaid ka üks suurepäraseid elavaid esinemisteoreetikuid.

Kõik need Tilda Swintoni filmid on saadaval aadressil peamised voogedastusplatvormid .

12

Joaquin Phoenix

Joaquin Phoenix on esinenud neljas režissöör James Gray filmis, alustades sellest Õued aastal 2000 ja sealhulgas We Own the Night (2007), Two Lovers (2009) ja The Immigrant (2014). Palusime Greyl selgitada, kuidas näitleja on oma nägemust laiendanud ja parandanud.

Kui nägin To Die For’i, ütlesin: see näitleja – ma ei teadnud veel tema nimegi – on uskumatult hea oma siseelu ilma dialoogita edasi andma. See on kinos väga oluline asi, sest kaamera paljastab kõik. Siin oli näitleja, kellel oli nii palju tegemist ja sa võid öelda. Ma arvasin, et see on väga huvitav näitleja. Mulle meeldiks temaga kohtuda. Ja tegingi.

Olime kohe samal lainepikkusel. Meile meeldisid samad asjad. Mõtlesime asjadest ühtemoodi. Ja ta meeldis mulle kohe. Tal oli see dimensioon. Esimene film, mille me koos tegime [The Yards], ma olen kindel, et ma vihastasin teda palju. Mul on väga otsene tee. Mõnikord on see hea ja mõnikord mitte nii hea. ma olen selles nüüd parem. Ütleme nii, et ma ei olnud alati valmis ütlema: Jah, see on huvitav, aga proovime seda. Ma olin rohkem huvitatud, Joaq, mida sa teed? See on nõme, proovi teist. Ja ma tean, et ma valmistaksin talle meelehärmi, sest tema talent oli nii suur.

Tal on piiritu võime üllatada teid parimal viisil ja inspireerida teid liikuma suunas, mille peale te pole algselt mõelnud, paremini kui see, mida te silmas pidasite, ja laiendab ideed. Ta on äärmiselt leidlik. Ta mõtleb alati ja tegelikult on aastatega seda rohkem. Ma pole kunagi öelnud, et ma tahan oma nägemust ekraanil. Ma tahan midagi paremat kui see. Tahad paika panna parameetrid, mida sa silmas pead, ja seejärel ümbritseda end inimestega, kes muudavad selle kõik ilusamaks. Mitte tingimata teistsugune, aga intensiivsem, elavam.

Tal on piiramatu võime sind parimal moel üllatada.

Tahad, et näitleja sind üllataks ja teeks seda viisil, mis näib tegelasega kooskõlas, kuid samas ka väga huvitav. Joaquin oli selles täiesti fantastiline. See on inspireeriv. Sa ei tea, mida kõige paremas mõttes oodata. Joaquin Phoenix on üks parimaid asju, mis minuga kunagi juhtunud on. Kui ma üldse kahetsen, siis seda, et ta pole igas minu tehtud filmis.— Intervjuu autor Candice Frederick

Voogesitage The Yards edasi CBS All Access .

Reklaam

üksteist

Julianne Moore

A. O. SCOTTÕnnetu Ameerika koduperenaine – naeratab, et kodusele tragöödiale ja sisemisele segadusele vastu seista – on vastupidav filmi arhetüüp. Seda on Julianne Moore nii uurinud kui ka plahvatanud Tunnid (2002) ja eriti tema koostöös Todd Haynesiga nagu Taevast kaugel (2002).

Filmi tegevus toimub 1950. aastatel Connecticutis, kuid see on teravalt stiliseeritud maastik, mis meenutab selle perioodi Hollywoodi melodraamasid. Cathy ja Frank Whitaker (Moore ja Dennis Quaid) on kumbki oma lämmatavast abielust eemale tõmbunud keelatud soovide tõttu: Frank teiste meeste jaoks, Cathy mustanahalise maastikukujundaja Raymond Deagan (Dennis Haysbert). Need üleastumised ei ole sümmeetrilised ega ristuvad. Oma südamevalu, alanduse ja igatsusega ei ole Frankil ja Cathyl teineteisele lohutust pakkuda.

Moore oleks võinud panna Cathy ahastuse jutumärkidesse, kutsudes esile 50ndate kino kannatavad diivad, pilgutades samal ajal kaasaegsele publikule, kes mõtiskleb turvalisest esteetilisest distantsist vanade halbade aegade üle. Selle asemel läheb ta kogu tee sisse, vaadates välja oma ajastu juurdunud ja absoluutselt kaasaegse naise hingest, kes on reeglite ja näivuse lõksus ning ka – hirmutavalt ja haaravalt – vaba.

MANOHLA DARGISÕnnetud või mitte, naised võivad näitlejannade jaoks olla ummiktee ja liiga paljude jaoks tuleb aeg, mil nad on igaveseks kööki pagendatud. Moore on mänginud palju naisi ja emasid, kuid tema omad on mõnikord keerukamad ja üllatavamad kui tema filmid, mis näitab tema tundlikkust ja andeid. Üks põhjus, miks ta oma tegelasi stereotüüpidest välja tõstab, on see, et ta mängib realismi koodidega, olgu ta siis naturalistlik (Still Alice, 2014. aasta melodraama Alzheimeri tõbe põdevast professorist) või hüperboolne (David Cronenbergi 2015. aasta satiir M aps. Tähed, kus ta on Hollywoodi hüään). Moore oskab tegelase sisemist olekut kaunilt välistada, nii et näete tema nahal tundeid. Kuid ta on äärmuste kunstnik ja temal ja Cronenbergil on lõbus oma veekera nägudega mängida.

Enamasti on tema töö filmis Gloria Bell (2019) realistlikus võtmes. Ta kehastab nimitegelast, helde südamega lahutatud kindlustustöötajat, kellel on kaks täiskasvanud last, endine, keda ta ei vihka, ja piinavalt üksildane korter. Film ise on tagasihoidlik, intiimne, läbimõeldud ja inimlike detailide rikas. Gloria alustab afääri mehega. See läheb halvasti, nad lähevad lahku. Tavalises filmis ei juhtu palju, ometi juhtub kõik sellepärast, et Gloria armastab ja teda armastatakse kordamööda. See on lugu, mis oleks võinud kaasa tuua ämbrite tatt ja tühja show-paadiga sõitmise. Kuid Moore ja režissöör Sebastián Lelio ületavad ilmselguse. Nad ei loo pelgalt lugu naise tunnetest – ja olemisest – kui naine armub; nad loovad emotsioonide maastiku, tundlikkuse tekstuuri ja kuju. Moore’i Gloria ei nuta ega naera; ta näitab teile, kuidas armastus seestpoolt välja näeb. See on esituse ime.

Voogesitage Gloria Bell Aga tsooni Prime Video .

10

Saoirse Ronan

Kui mitmel erineval viisil saab üks inimene täisealiseks saada? Kasvamine on palju seda, mida noored filmides teevad, kuid vähesed näitlejad on seda teinud nii kaua või nii nüansi, intelligentsuse ja mitmekesisusega nagu Saoirse Ronan. Ta on meie silme all küpsenud üle poole oma elust (ta on 26), muutudes iga uue rolliga targemaks, kurvemaks, vabamaks ja iseendaks.

Muidugi on need muutused enamasti tegelased. Eilis Lacey (Brooklyn, 2015) leiab oma uues kodus armastuse ja iseseisvuse; Christine McPherson ( Lady Bird, 2017) õpib hindama oma ema; Jo March (Little Women, 2019) leiab oma hääle kirjanikuna. Ronan ise, kes elab nendes naistes ja tüdrukutes kogu nende eripäras, on algusest peale olnud peaaegu ärritavalt järjekindel, täielikult ja distsiplineeritud oma kingitusi.

Täielikult distsiplineeritud oma kingitusi algusest peale.

sisse lepitus, oma 2007. aasta esituses mängis ta Briony Tallist, tähelepanelikku 13-aastast noort, kes arvab, et mõistab täiskasvanute maailmast rohkem kui ta ise. Ronan ei sobi mitte ainult Briony varaküpsusega; ta edastab ka lapseliku ebakindluse ja romantilise armukadeduse muutliku segu, mis paneb selle hoolimatu, abivajava ja poolsüütu tüdruku end tõeliselt ohtlikuna tundma.

Ja see ohutunne püsib, olenemata sellest, kas tema tegelane on haavatav (nagu filmis The Lovely Bones, 2009) või vägivaldne (nagu Hanna, 2011). Isegi siis, kui ta on nördinud ajastu draamades või koduse elu õrnades komöödiates, toob Ronan kaasa hõbedase täpsuse, mida on põnev ja pisut häiriv vaadata. Selle põhjuseks on asjaolu, et nii palju kui ta jäädvustab näiteks 16. sajandi Šoti kuninganna või 21. sajandi California teismelise emotsionaalset ilma ja spetsiifilist kehakeelt, annab ta veelgi elavamalt edasi seda, kuidas need inimesed mõtlevad, kuidas see tunne on. olla nende peade sees.

See võib tunduda tserebraalse, intellektuaalse lähenemisena näitlemisele, kuid see on tegelikult vastupidine. Kõige radikaalsem ja paljastavam ambitsioon, mida näitleja võib ette kujutada, on asustada teise teadvusse ja tuua publik sellele parapsühholoogilisele teekonnale. See on midagi enamat kui lihtsalt rolli kadumine või paralleelmälestuste metoodiline aktiveerimine. See on mingi omavoliline taassünd, nagu ei saaks Athena võrsuda mitte isa, vaid tema enda otsaesist. Selle tunnistaja võib olla hirmutav, kuid geniaalsus sageli on.

Voogesituse lepitus on sisse lülitatud Peal acock .

9

Viola Davis

Viola Davis on Denzel Washingtoniga viimase 20 aasta jooksul mitu korda koostööd teinud – olgu ta siis režissöör (Antwone Fisher, 2002), staar (mängis August Wilsoni peredraamas Troy Maxsonit oma Rose Maxsonile). Piirdeaiad Broadwayl ja seejärel 2016. aastal filmis) või produtsendiga (ta andis talle nimirolli peagi ilmuvas Wilsoni jazzdraamas Ma Rainey’s Black Bottom). Palusime tal selgitada, mis teeb ta nii tohutuks:

Teadsin, et ta on suurepärane näitleja, kes läks tagasi, kui ta esines prooviesinemisel Antwone Fisher 20 aastat tagasi. Kogesin tema jõudu, jõudu ja annet [võtte ajal]. Ta tuli valmis, iseloomuga ja põhimõtteliselt jätsin ta lihtsalt rahule. Talle polnud tõesti muud öelda, kui aitäh ja teeme veel ühe.

Ta on üks kord põlvkonnas esinev talent. Te ei tea seda alati kohe, kuid me kõik oleme seda nüüd aja jooksul kogenud. Kui ma olin temaga lavastuses [Fences] isegi proovis, siis oli selline tunne, et oh, okei, ta on võimas. Tal on suur stseen, kui ta lõpuks Troyle maha laadib; umbes kolmandal proovinädalal näitas ta, kuhu läheb. Ja ma mõtlesin, et ma parem saan talle järele. ma pean keskenduma.

Meil oli tohutu edu, nii et kordagi ei tekkinud küsimust, kes filmis rolli mängib. Ja võimas, tugev naine ja alandlik. Režissöör [George C. Wolfe] pidi teda veenma [Ma Rainey filmis Black Bottom]. Mina tegin ka. Ta ütles, et ma ei oska laulda. Mul pole mingit rütmi, kõik sellised asjad.

Ta võib teha, mida tahab. Tal on nii palju võimeid.

Ma usaldan teda täielikult. Miks keegi tahab Miles Davisega bändis mängida? Sest ta on suurepärane koostööpartner, uuendaja, kunstnik. Ta on sama asi. Ta võib teha, mida tahab. Tal on nii palju võimeid. Ta on üks parimaid materjali tõlgendajaid, kellega mul on olnud võimalus koostööd teha.— Intervjuu autor Candice Frederick

Rentida või osta Aiad suurematel voogedastusplatvormidel.

8

Zhao Tao

MANOHLA DARGISAlates 2000. aastast on Hiina näitlejanna Zhao Tao ja režissöör Jia Zhangke teinud üle tosina täispika mängu- ja lühifilmi, draama- ja dokumentaalfilmi ning töid, mis on sellisele korralikule kategoriseerimisele vastu. Nende filmitegemise liit on nii terviklik ja tuttav, et on raske ette kujutada, millised need filmid välja näeksid ilma Zhao näo ja maandatava kohalolekuta. Teda kutsutakse sageli tema muusaks (nad on abielus), kuid see ei suuda tabada tema panuse rikkust – selle poeesiat, sümboolikat ja emotsionaalset detailsust.

Jia filmides kõnnivad inimesed palju ja keegi pole läbinud rohkem miile kui Zhao, sageli reaalajas. Endine tantsuõpetaja Zhao liigub rahulikult ja sujuvalt, olenemata sellest, kas tema tegelased jalutavad koridoris (The World aastal 2005) või rändavad mahajäetud koolis (24 City 2009). Filmis Natüürmort (2008) mängib Zhao Shen Hongit, kes otsib oma meest iidses linnas, mis on vastuolulise tammi tõttu üle ujutatud. Shen Hongit nähakse sageli keskmise ja pika kaadri puhul, kuid kui keegi küsib, kas tal on kiire, lõikab Jia talle lähivaates. Ta ütleb, et tegelikult mitte, tema nägu täitub kahetsusega või võib-olla mälestustega vahetult enne uksest välja astumist.

Jia paljud reisijad kaardistavad Hiina lugude kaupa, olenemata nende sõnasõnalisest või metafoorsest sihtkohast. Võib-olla sellepärast tundub Zhao kehahoiak nii silmatorkav. Isegi kui tema tegelased triivivad, teevad nad seda sirge seljaga.

A. O. SCOTTHiina käimasolev ümberkujundamine – selle mood, muusika, majandus, arhitektuur ja topograafia – on Jia kõikehõlmav teema ning Zhao on tema avatar ja katsejuhtum. Ta on omamoodi Everywoman, mis tähendab, et ta kehastab paljusid erinevaid naisi, mõnikord ühe filmi ruumis.

Filmis Ash Is Purest White (2019) kehastab ta Qiaot, kes alustab osana gangsterpaarist põhjapoolses tööstuslinnas Datongis. Tema ja tema väljavalitu Bin on kartmatud ja glamuursed, isegi kui Qiao on oma isa kaudu seotud vanema tööliste nõukogude ja proletaarse karmusega. On 2000. aastate algus ja kõik, mis puudutab Qiaot – tema juuksed, riided, viis, kuidas ta läbi säravate ööklubide ja räsitud tehaste liigub – väljendab usaldust modernsuse ja tema koha vastu selles.

Siis laguneb kõik laiali. Tema lojaalsus Binile viib ta vanglasse ja kui ta vabaneb, on ta kadunud. Tema reisid paadiga, jalgsi, mootorrattaga ja rongiga viivad ta pikale kurnavale odüsseiale tagasi sinna, kust ta alustas. Tema kannatused on järeleandmatud, kuid tema stoilisus muudab selle kohati peaaegu koomiliseks, justkui oleks ta üheaegselt vana Hollywoodi melodraama kangelanna ja Samuel Becketti näidendi peategelane. Lavastus on vastupidavuse ime, mis on juurdunud maa sees, kuid millegipärast ka suurem kui elu.

Stream Ash Is puhtaim valge sees Amazon Prime'i video .

7

Toni Servillo

Toni Servillo on Ameerika publikule ilmselt kõige paremini tuntud Suur Kaunitar (2013), Paolo Sorrentino Oscari võitnud ringreis kaasaegse Rooma kultuurieliidi dekadentsetest viisidest. Seda filmi nimetas Pauline Kael Euroopa haigeks-hingeks riietunud peoks, mille peaosas on Servillo, kes kehastab sihvakaid saavutusi ja mainekat kirjanikku kui lõbustuste meistrit. Oma nägusa, kortsus näo ja laitmatu pudukaubaga Servillo meenutab La Dolce Vitas mängitud sotsiaalse liblika Marcello Mastroianni väljakujunenud versiooni – eraldatud, ebamääraselt masenduses osalejat-vaatlejat keerlevas hedonismi vaatemängus.

Kui tõmmata Servillo ja Sorrentino koostöö niit, leiate midagi intrigeerivamat ja sisulisemat kui ilu. Need kaks on töötanud koos viie mängufilmi kallal, sealhulgas Sorrentino režissööridebüüt One Man Up, ja on välja töötanud sümbioosi, mis meenutab mõningaid mineviku suurepäraseid näitleja-režissööri partnerlusi: Martin Scorsese ja Robert De Niro; Vittorio De Sica ja Sophia Loren; John Ford ja John Wayne.

Sellised analoogid on ebapiisavad. Servillo on olnud keskseks avatariks Sorrentino korruptsiooni ja silmakirjalikkuse – aga ka ebatõenäolise hiilguse ja absurdse vastupidavuse – väljakaevamisel tänapäeva Itaalias. Eelkõige on ta kehastanud kaks riigi lähiajaloo võimsaimat ja polariseerivamat tegelikku poliitilist liidrit: Giulio Andreotti (2009. aasta räige ja satiirilises Il Divos) ja Silvio Berlusconi (eepilises ja veidralt õrnas Loro, 2019). ).

Selle saavutuse ulatuse hindamine nõuab veel ühte analoogiat. Kujutage ette, kui sama näitleja rollis oleks nii Richard Nixon kui ka Barack Obama või Winston Churchill ja Margaret Thatcher. Andreotti, seitsmekordne peaminister ja kaua valitsenud Kristlik-Demokraatliku Partei juht, oli kurikuulus tagatoa operaator, kaval ja peaaegu väljakutsuvalt ebakarismaatiline. Berlusconi, samuti saripeaminister, oli üleni nõme ja võluv, mõne itaallase jaoks tõrjuvalt räpane ja teiste jaoks lõputult magnetiline.

Ei Il Divo ega Loro pole tavapärane eluloofilm ja Sorrentino pole realist. Need filmid naudivad võimuteatrit ja groteskselt kunstliku meigiga Servillo meenutab mõnikord nuku või poliitilist multifilmi. Ta rõhutab Andreotti reptiillikku kavalust ja salajast edevust ning Berlusconi libedust ja enesehaletsust. Isegi kui te ei ole kursis Itaalia poliitika libeda pärimusega, võite tunda nende etenduste metsikut koomilist energiat ja moraalset tuld nende taga. Need on tõelised inimesed! Need asjad – mõrvad, altkäemaksud, topeltristid, orgiad – juhtusid tõesti!

Ta teeb elavaks nende inimeste ekstravagantse inimlikkuse – ja sügava salapära –, kes elavad selleks, et painutada maailma oma tahte järgi.

Kuid see, mida Servillo teeb, on midagi enamat kui lihtsalt suurepärane sketš-komöödia satiir. Nagu Shakespeare’i näitleja, kes süveneb iidsete või kujuteldavate kuningate majesteetlikkusse ja koletisusse, teeb ta elavaks nende inimeste ekstravagantse inimlikkuse – ja sügava salapära –, kes elavad selleks, et maailm oma tahte järgi painutada. Ta jäädvustab ka nende üksildust.

Loro voogesitus edasi Hulu ; rentida või osta Il Divo suurematel voogesitusplatvormidel.

6

laul
Kang Ho

Tõenäoliselt jõudis Korea näitleja Song Kang Ho esimest korda enamiku Ameerika publiku tähelepanu 2020. aasta parima filmi Oscari võitja Parasite saates, kes kehastas vaesunud, salakaval patriarhi. See oli tema neljas koostöö režissöör Bong Joon Hoga ja palusime filmitegijal selgitada, miks ta on ikka ja jälle staari täitnud.

Nägin esimest korda Song Kang Hot Roheline kala, lavastaja Lee Chang-dongi mängudebüüt. Ta mängis maalähedast väikest gangsterit ja tema esitus oli nii vapustavalt realistlik, et lavastajate seas levis kuulujutt, et ta on tõeline pätt. Hiljem sain teada, et tegemist oli näitlejaga, kes oli Daehak-ro teatrimaastikul pikka aega tegutsenud.

Kuigi olin tollal režissööri esimene assistent ja veel mitte direktor, tahtsin temaga kohtuda. Niisiis, kutsusin ta 1997. aastal kontorisse kohvi jooma. See oli pigem juhuslik vestlus kui prooviesinemine, kuid ma võin öelda, et tal on juggernauti omadused.

Kui ma kirjutasin oma teist filmi, Mälestused mõrvast (2005) Pidasin Songil kindlalt silmas, et saaksin mängida kantridetektiivi, kes on oma vanadesse viisidesse kinni jäänud ja pimesi usub oma instinktidesse. Sest ta on selle rolli jaoks sündinud ja see on tema jaoks loodud.

[Kas filmides Mälestused mõrvast, Peremees (2007), Snowpiercer (2014) või Parasiit ] on alati tunne, et tuleb avastada uus kiht. Ta on nagu lõuend, mis kasvab ja kasvab. Olenemata sellest, mitu pintslitõmmet ma rakendan, on maalimiseks alati rohkem ruumi. Ootan endiselt põnevusega, mida ta rolli juurde toob. Minu jaoks on ta nagu ammendamatu teemandikaevandus. Olenemata sellest, kas olen temaga teinud neli filmi või 40 filmi, tean, et avastan välja uue tegelase.

Tal on oskus tuua igasse hetke elu ja toorust. Isegi kui stseen hõlmab keerulist dialoogi või väga tehnilist kaameratööd, leiab ta võimaluse muuta see sujuvaks ja spontaanseks. Iga võte on erinev ja kõige kohmakam dialoog tundub improvisatsioonina. See on hämmastav ja rõõm olla tunnistajaks.

Tal on oskus tuua igasse hetke elu ja toorust.

Tema unikaalsus peategelasena tuleneb tema tavalisusest ja argisusest. Eelkõige Korea publikule projitseerib Song tüüpilise Korea töömehe, naabri või sõbra, keda võite oma naabruses kohata, kvaliteeti. Seega on nad veelgi rohkem haaratud, kui näevad seda pealtnäha igapäevast tegelast silmitsi koletise või koletu olukorraga sellistes filmides nagu Peremees või Parasiit.

Ta alustab tavalisest ja tõstab selle ainulaadseks ja jäljendamatuks hääleks. Usun, et see teebki Song Kang Ho ja tegelased, kus ta elab, tõeliselt eriliseks.— Intervjuu autor Candice Frederick

Rentida või osta Mälestused mõrvast suurematel voogedastusplatvormidel.

Reklaam

5

Nicole Kidman

Kunstnik, printsess, kirjanik, muusa – Nicole Kidman on neid kõiki mänginud, lühikeste ja pikkade juustega, imelise kunstliku šnozi ja fantastiliselt väljaulatuva lõuaga. Ta võib naeratada nagu päike ja nutta piisavalt pisaratega, et tahaks talle salvrätikukarbi ulatada. Peavoolukinos on realism näitleja münt kaubanduses, esteetiline valik, mis aitab muuta kunstliku elu sarnaseks. Lapidaarse puudutusega miniaturisti Kidmani jaoks tähendab realismi loomine mõnikord ilu (rolli, mitte auhindade) varjamist, mis on teda pikka aega iseloomustanud. See tähendab ka järjekindlat naiselikkusega mängimist.

Kidman astus 21. sajandisse oma kuulsuse kõrghetkel Punane Veski! (2001). Sellele järgnes käputäis muid kõrgetasemelisi sõidukeid, mis kõige olulisem Tunnid (2002), milles ta kehastas Virginia Woolfi (cue the schnoz) ja pälvis talle Oscari. See oli viisakas haigutamine filmist, millele Kidman järgnes Lars von Trieri filmis. Dogville (2004), kalkuleerivalt abrasiivne Brechti harjutus, kus tema tegelane võtab pärast väärkohtlemist relva kätte ja aitab linna hävitada. Paistis, et Kidman naudib seda natuke.

Pärast seda on ta teinud rohkem kui 40 filmi, millest mõned on meeldejäävad ja paljud, mis on kõige paremini unustatud. Nagu teistegi näitlejannade puhul, on ka Kidmani kuulsus mõnikord ületanud oma pankrotivõimet, luues kuulsuse, mis on vähem seotud piletikassaga, vaid pigem tähepersooniga, keda hoiavad punase vaiba läbisõit ja moeajakirjade kaante rohkus. Mõned aastad tulid ja läksid filmid peaaegu ette teatamata. Sellegipoolest jätkas Kidman järjekindlalt tööd ja jätkas tühise materjali tõstmist, surudes ennast isegi siis, kui filmid seda ei teinud. Ta on mänginud ka palju emasid, mis on vajalik ellujäämisstrateegia maailmas, mis on loominguliselt nii vähe fantastiline nagu filmitööstus.

Üks virtuoosse esineja nauding on vaadata, kuidas nad tõusevad oma materjalist kõrgemale. Kidman on seda korduvalt teinud, sealhulgas aastal Sünd (2004), milles ta kehastab leske, kes hakkab uskuma, et 10-aastane poiss on tema surnud abikaasa reinkarnatsioon. See on pretensioonikas möll, mida Kidman hellitab õrnuse ja tundetorkega. Ta on täiesti hiilgav Paberipoiss (2012), mõnusalt vulgaarne mis sit milles ta lööb üle show-paatidega sõitva meeste rühma, urineerides vaheldumisi Zac Efroni ja rebides tema sukkpüksid, olles vaimustuses John Cusackist.

Sa ei saa oma silmi temalt ära võtta. Sa ei saa kunagi.

Hiljuti mängis Kidman filmis Hävitaja (2018), Karyn Kusama karm põnevik detektiivi pikast allakäiguspiraalist. Kidman läheb suureks ja jõhkraks – lööb, jookseb, tulistab ja joob metsikult liialdades –, et mängida keskealist varemet, kelle kohutavad valikud on söövitatud igasse kortsu ja plekki tema karmi näol. Film kukkus läbi, võib-olla seetõttu, et see oli tänapäeva vaatajaskonna jaoks liiga kole või tundus see kõik ajakirja Vogue lemmikkaanetüdruku jaoks liiga madala hinnaga. Kuid Kidman on geniaalne, külm, toores ja tõsi. Isegi kui tema nägu on peaaegu tundmatuseni varjatud, jääb ta vaieldamatuks. Sa ei saa oma silmi temalt ära võtta. Sa ei saa kunagi.

Stream Destroyer sisse Hulu .

4

Keanu Reeves

Võib-olla olete üllatunud, et Keanu Reeves on selles nimekirjas nii kõrgel kohal. Kuid küsige endalt: kas olete kunagi pettunud, kui ta filmis esines? Kas oskate nimetada ühte filmi, mida tema kohalolek pole täiustanud? Me räägime siin Ted Loganist. Neo kohta. John Wick. Diane Keaton tundis samuti armastust Midagi peab andma (2003). Ali Wongi armastushuvi – mees nimega Keanu Reeves! — filmis Always Be My Maybe (2019). Kindlasti pole teist filmistaari, kes eksponeeriks nii palju ampluaa, jäädes samas nii taandamatult ja hoomamatult iseendaks.

Kas oskate nimetada ühte filmi, mida tema kohalolek pole täiustanud?

Kuid teda on olnud kummaliselt lihtne alahinnata. Nagu palju muud 90ndatel, oli ka Keanu Reevesi lugupidamine tema karjääri esimestel etappidel irooniaga kaitstud. Oli liiga lihtne nalja heita tühja ja tõsise segaduse üle, mis iseloomustas tema tegelasi filmides Point Break, The Devil’s Advocate ja Matrix, et projitseerida nende tühjus talle peale, et oletada, et tema vaiksed veed jooksid madalalt.

Siiski oli ta alati naljaga seotud. Ja kunagi ei tee nalja. Keskeas on ta tõusnud uuele saavutustasemele, tsooni, kus lähenevad kunstitus ja eneseteadvus. Ta on üks meie usaldusväärsemaid märulikangelasi ning ka üks meie leidlikumaid ja leidlikumaid karakternäitlejaid. Ta on ilusti ilma jäänud, muutudes korraga kurvemaks ja mängulisemaks, kaotamata seejuures algusest peale valitsenud teispoolsust süütust.

Kas John Wicki filmides olev melanhoolne, ulmeline, koera armastav palgamõrvar on žanriülesanne, palgatreening, keskea märulitreening? Tõenäoliselt. Muidugi. Kui (oletame nii) Gerard Butler nimiosas, oleks need libedad, vastikud äraviskamised. Reeves annab frantsiisile rohkem gravitatsiooni, kui see väärib, rohkem huumorit kui vaja ja hinge, mis tal muidu igakülgselt puudu on.

Filmivaatamise üks naudinguid viimase kümnendi jooksul on olnud temaga ootamatutes vormides kohtumine. Mingisuguse postapokalüptilise kultusliidrina, keda tuntakse The Dream in The Bad Bachi nime all, on Ana Lily Amirpouri 2017. aasta karge düstoopiline fantaasia. Kriidina Winona Ryderi juustule Victor Levini abrasiivses anti-rom-comis Sihtkoha pulmad (2018). Nagu Keanu-nimelise kassi hääl sisse Keanu (2016).

Mees on rohkem kui nende osade summa, mis on mõistatused ja koaanid, peatükid pidevalt uuenevas käsiraamatus metamoodsas filmitähes kui olemisviisis. Ta ei ole perfektsionist. Ta on täiuslikkus ise. Meile öeldi juba ammu ja nüüd võib-olla suudame seda lõpuks uskuda: ta on see Üks.

Voogesitage või laenutage John Wicki filmid ja muud Reeves'i pealkirjad suurematel platvormidel.

3

Daniel
Day-Lewis

Alguses Tuleb Verd (2007), sügavas, pimedas augus olev mees lööb kirkaga rütmiliselt vastu seina, paiskades õhku sädemeid ja tolmu. See on nii hämar, et te ei näe tema nägu väljagi, kuid tema kahvatu särk tõmbab teie silmi ja muudab tema võimsate käte kontuurid ja nende masinataolised liigutused reljeefseks. Näete teda täielikult alles siis, kui ta tõstab oma pea, et taevasse vaadata, mistõttu valgus tulvab tema nägu. Vaata, mees – vaata, Daniel Day-Lewis!

See on sissejuhatus sama ikooniline, tegelasi määratlev ja tähte kujundav kui Rita Hayworthi filmis Gilda. See toimib ka kena metafoorina Day-Lewise loomingulise protsessi, tema tegelaste ülesehitamise, vaevarikkale toimingule. Nagu Daniel Plainview, ei mängi Day-Lewis ainult peategelast; ta annab inimliku kuju filmitegija Paul Thomas Andersoni ideedele ja kunstile. Plainview on palju asju: mees, masin, kohutav isa, raevukas naftamees. Ta on ka hävitava aine — naftaookeani — ilming, mille ta vägivaldselt maa pealt välja kisub.

Day-Lewis on viimase poole sajandi üks auväärsemaid näitlejaid, kelle maine põhineb tema silmipimestaval filmograafial ja mida põletab müstiliste mõõtmeteni kasvanud ülevuse aura. Tema palju reklaamitud ettevalmistused rollideks ja nõudmine lavastuse ajal karakteris püsida on muutunud legendaarseks, põnevateks pealkirjadeks ja fännide fetišismiks. Tema korduvad pensionile jäämise teadaanded on tema aurat ainult avardanud ja nii ka tema selektiivsust: ta on sel sajandil teinud vaid kuus filmi, mõned meistriteosed. Nagu eksootiline sajanditaim, vaid üks kord suurejooneliselt õitsev agaav, teab Day-Lewis nii meid õrritada kui ka etendust teha.

Day-Lewis teab, kuidas meid kiusata ja etendusi teha.

Tema ümber üles ehitatud pärimus on teatud määral vaid meetodi-aegne versioon müütist, mis on alati olnud osa tähekunsti loomisest. Vahel jääb puudu see, et peate lugema rohkem kui 100 raamatut, et valmistuda nimirolliks Lincoln (2012) on töö, osa näitleja ettevalmistusest. Kogu see töö ja need raamatud tuletavad meelde, et näitlemine on ka töö, mitte maagia, isegi kui näitleja sooritus tundub või pigem tunneb alkeemiline. Üks osa Day-Lewise andekusest on tema tohutu võime muuta raske töö tegelaseks, mis täidab ladusalt režissööri nägemust.

Sellest visioonist sõltub palju. Ja just siinkohal pean ma kahetsusega mainima Üheksa (2009), katastroofiline rumalus, mida Day-Lewis usinalt teenib, kuid ei suuda päästa. sisse New Yorgi jõugud (2002), seevastu on tema osatäitmine Lihunik Billina selle filmi ambitsioonide apoteoos, nii et kui teda ekraanil pole, siis pilt pritsib. Day-Lewise kunst on tema ja tema lavastajate vaheline osmoos. Ja siiani on tema kõige täielikumad osatäitmised olnud kahes filmis, mille ta on koos Andersoniga teinud, viimati Phantom Thread (2017), mille ilud, sügavused ja eripärad Day-Lewis neelab, muundub ja hiilgavalt murdub.

Osta või rentida Phantom Thread enamikul suurematel platvormidel.

2

Isabelle Huppert

MANOHLA DARGISKartmatu ja hüpnotiseeriv, mõnikord hirmutav, mõnikord veider Isabelle Huppert on oma karjääri jooksul võtnud endale jahmatavad rollid, liikudes pingevabalt pisaratest kisadesse, kõige sirgematest lugudest kõige hiilgavamate lugudeni. Ta on ainuüksi sel sajandil mänginud rohkem kui 50 filmis – töökus, mis räägib tema ambitsioonidest ja populaarsusest, kuid viitab ka ahnele näljale, mida on näha tema näitlejatöös. Ma armastan paljusid tema esinemisi, kuid mind köidavad eriti tema koletised, tema õõvastavad, kirjeldamatud naised.

A. O. SCOTTKas keegi ütles Klaveriõpetaja ? See 2002. aasta film on hirmuäratav iha, julmuse, masohhismi ja musitseerimise jõud. Nimitegelane Erika Kohut saab õpilase kinnisideeks ning Huppert sooritab jäise täpsuse ja ooperliku intensiivsusega oma laskumise hullusesse. Kas me kardame teda või kardame teda?

Huppert on virtuoos sellises mitmetähenduslikkuses, tavaliste naiseliku haavatavuse ja feministliku enesekehtestamise koodide segamises, naise sitkuse ja hapruse allikate oletuste trotsimises. Üks minu lemmiknäiteid on Claude Chabrolis Võimu komöödia (2007), milles ta mängib kohtunikku, kes juurib välja korruptsiooni Prantsusmaa poliitilises ja ärieliidis ning võtab vastu võimsalt juurdunud vanapoiste võrgustiku. Tegelase nimi on Jeanne Charmant Killman, mis võib tunduda pisut ninna, kuid milles on ka osa Hupperti graatsilisest ja surmavast veetlusest.

DARGISHuppertile pakutud rollid ja need, mida ta otsis, on tema loomingus aidanud kaasa. Ja oma karjääri alguses töötas ta filmitegijatega – Jean-Luc Godard, Maurice Pialat ja muidugi Chabrol –, kes andsid talle loomingulise ruumi arenemiseks. Ta poleks kunagi saanud võrreldavat karjääri Ameerika filmides (mulle ajab hirm tema Sundance'i debüüdi peale), kus tegelaskujud on harva kahemõttelised ja sageli on neid kujundanud mahedad nõuded, nagu suhtelisus ja lunastus.

Huppert on tuntud äärmuste omaksvõtu poolest, kuigi ma näen selles huvi eksistentsi täiuse vastu, sealhulgas vastik ja tabu. Tema tegelased keevad elust üle, osa sellest on inetu, nagu näiteks Ta (2016), Paul Verhoeveni provokatsioon traumast ja psühhoosist. Näitlejanna üllatab alati (ma kahtlustan, et tal hakkab muidu igav), kuid siin teeb Huppert meheliku vägivallaga silmitsi seisva naisena midagi, mida filmides juhtub harva: ta šokeerib. Lõhnava vaimukusega – tema veidrad naeratused pilkavad publiku vagadust – muudab ta teise inimese mõistatuse põnevikuks. Mulle meeldib, et ta sunnib mind vaatama isegi siis, kui ma seda ei taha.

SCOTTKas keegi ütles Greta ? See oli väike 2019. aasta põnevik, milles Huppert kehastas psühho-emme jälitajat, kes püüdis Chloë Grace Moretzi kehastatud kastesilmset üliõpilast. Toon selle välja ainult seetõttu, et see salapära, millele viitate – vaimukuse, sarmi ja tahte muutlik ühend – domineerib selles filmis, mille Huppert muudab intrigeerivamaks, kui tal on õigust olla. Naljakam ja hirmutavam.

Tema intensiivsuse ja vaoshoituse kombinatsiooniga pole kedagi teist. See ilmneb eriti sellistes filmides, kus tema tegelane osaleb ellujäämise nimel kõikehõlmavas võitluses, nagu Claire Denise Valge materjal (2010). Huppert mängib Prantsuse istanduse omanikku, kes klammerdub vägivallast krampis Aafrika riigis viimase koloniaalõiguse külge. Ta teab, et tema elu on ohus, et tema eluviis on käest libisemas ja ka seda, et suuremas ajaloolises plaanis võib ta oma saatust väärida. Siin pole enesehaletsust ja vaevu draamat tavapärases mõttes. Lihtsalt puhas närv.


miks ma hüppan raamat

Voogesitage või laenutage Elle, klaveriõpetaja ja palju muud enamikul suurematel platvormidel.

1

Denzel Washington

A. O. SCOTTKaklesime ja vaidlesime iga teise nimekirjas oleva koha üle, kuid selle üle ei tekkinud kõhklusi ega vaidlusi.

Denzel Washington on väljaspool kategooriat: ekraanititaan, kes on ka peen ja tundlik käsitööline, kellel on tõsine vanakooli lavakoolitus ja särav filmistaar. Ta oskab teha Shakespeare'i ja August Wilsoni, kaabakaid või märulikangelaslikkust. Ta on ka üks parimaid tavalisi meesnäitlejaid. Kes suudab unustada oma vaevleva tööjõu Peatamatu (2010) ja The Taking of Pelham 123 (2009), paar suurt, mürarikast rongiteemalist filmi, mille režissöör on Tony Scott? Kumbki pole meistriteos, kuid ma ei väsi kunagi Washingtoni töö juures jälgimast.

MANOHLA DARGISTa muudab selle töö – mille all pean silmas näitlemist – välja nägema nagu hingamine. Sellel on põhjus, miks ta oli Easy Rawlinsina täiuslik filmis Devil in a Blue Dress, mis oli varakult määrav roll. Sellest ajast peale on ta mänginud palju tegelasi, kes kehastavad seadust või kuritegevust, ja mõnda, kes eksisteerivad neid kahte eraldavas ruumis. Teel on temast saanud teatud tüüpi meeste autoriteedi domineeriv totem, nagu John Wayne ja Clint Eastwood enne teda. Washington võib väljendada ahastavat haavatavust, kuid ta võib kerkida nagu koloss, tiirledes üle maailma nagu Vana Testamendi patriarh – see on erakordne, arvestades mustanahalise mehelikkuse esitusi ekraanil alles hiljuti.

SCOTTSee autoriteet on usaldusväärne isegi siis, kui filmid on … vähem nii. Eli raamat (2010)? Ekvalaiser (2014)? Mees tules (2004)? Üks asi, mida ma tema juures kõige rohkem armastan, on see, kui suurejooneliselt ta mängib mehi, kes ei paista armastust vajavat ega isegi väärivat. Mõelge Whip Whitakerile Lend (2012), hämmastavalt osav lennupiloot, kes on ka eepiline rongiõnnetus. Mitte kena tüüp, aga nii täidlane, kompleksne ja erksalt teostatud inimolend, nagu kunagi filmilinal näeb.

DARGISNagu kõik staarid, tundub Washingtoni näitlemine lahutamatu tema karismaga, kombinatsioon, mis on võrgutav, kuid võib filmides üle jõu käia, nagu Antoine Fuqua vägivaldne pott. Treeningupäev (2001). Washington on sensatsiooniline kui halb detektiiv: ta on lõtv, seksikas, hirmutav, kuid nii palju suurem kui elu, et ta kahandab filmi. Filmis Flight süvendab tema magnetism tema tegelase traagikat; see annab tema kõnnile mulje, kuid see on ka osa tema lagunevast fassaadist. Vähesed rollid annavad Washingtonile nii palju tööd, kindlasti mitte filmid kahe tema lemmikrežissööri Fuqua ja Scottiga, kes tekitavad palju segadust, millesse Washington väga mugavalt sisse seab – ja keskmesse –.

SCOTTVõib-olla on tema võimsuse üheks mõõdupuuks see, kui järjekindlalt on ta parem kui filmides, milles ta osaleb. Suurepärase töö – treenerite ja politseinike, gangsterite ja advokaatide – keskel on mõned mälestusmärgid, mis näitavad seda kõrget talenti täielikult. Malcolm X on üks ja Troy Maxson filmis Fences (2016) on teine. Selles esituses on nii palju valu ja uhkust, mis mingil moel mõõdab Ameerika rassismi raskust üksiku inimese kehale ja hingele, muutmata seda inimest millegi sümboliks. Viis, kuidas Washington sellesse filmi astub, tema õlad sportlase jõust õõtsumas, eluaegsest vaevast mõlkis kaader, on hetk puhtast lihalikust kõneosavusest, millele vastab tema suust väljuv rahvakeelse luule vool.

DARGISNoh, teie filmi ületamine on juba ammu olnud tõelise staari tunnus! Näitlejad valivad rolle kõikvõimalikel põhjustel – vanus, ajakava, maitse, mugavus, palk – ja rass on alati oluline. Washingtonile meeldib mängida eesmärgikindlaid tegelasi ja mehi, kes jätavad tõsise mulje relva, füüsiliste äärmuste või sõnadega. Talle meeldib suureks minna. Ta võiks teha kunstifilme ja provokatiivseid väikeseid india-filme, kuid ta ei tee seda. Võib-olla pole ta huvitatud; kindlasti pole tal seda vaja. Lõppude lõpuks on ta Denzel Washington staar, kelle karjäär – oma pikaealisuses ja domineerimises – on parandus ja noomitus rassistlikule tööstusele, milles ta töötab. Ma kujutan ette, et ta teeb täpselt seda, mida tahab.

Voogesitage või laenutage Lend, koolituspäev ja palju muud enamikul suurematel platvormidel.

PILDID 25: IFC filmid; 24: Kino Lorber; 23: A24; 22: Larry Horricks / 20th Century Fox; 21: Warner Bros (Tantsija pimeduses); Bac Films (Jõululugu); Fookusfunktsioonid (8 naist); Mandariinifilmid (Potiche); 20: Warner Bros (Just Mercy); Steve Dietl/Netflix (Mudbound); 19: Entertainment Studios Motion Pictures, Photofesti kaudu; 18: Lily Gavin / CBS Films; 17: neoon; 16: Amazon Studios/Magnolia Pictures; 15: Matt Kennedy / Marvel, Disney; Barry Wetcher/Warner Bros.; Ron Koeberer/Weinstein Company; 14: Alison Rosa/CBS Films; 13: Magnolia Pictures (Julia); Alessio Bolzoni/Amazon Studios (Suspiria); Warner Bros (Michael Clayton); Kimberly French/Netflix (Okja); 12: Anne Joyce/Weinstein Company (Sisserändaja); Anne Joyce / Columbia Pictures (We Own the Night); Barry Wetcher/Miramax Films (The Yards); 11: fookusfunktsioonid Photofesti kaudu; 10: Merrick Morton/A24; Merie Wallace/A24; 9: Paramount Pictures; 8: Cohen Media Group; 7: Gianni Fiorito/Music Box Films, MPI Media Group; 6: Magnolia Pictures (Peremees); CJ Entertainment (Mõrva mälestused); Neoon (parasiit); 5: Anne Marie Fox/Millennium Entertainment; 4: David Lee/Lionsgate; 3: Melinda Sue Gordon / Paramount Vantage; 2: Kino International; 1: Paramount Pictures (lend); Robert Zuckerman/Warner Brothers (Treeningpäev); Rico Torres / Columbia Pictures (The Taking of Pelham 1 2 3); Scott Garfield / Columbia Pictures (Ekvalaiser)
Kujundus Gabriel Gianordoli.
Produtsendid: Alicia DeSantis, Stephanie Goodman, Jolie Ruben ja Josephine Sedgwick.

Loe 376 kommentaari